L’Atlas, de son vrai nom Jules Dedet Granel (né en 1978 à Toulouse), développe depuis la fin des années 1990 un travail construit autour de l’écriture, de la géométrie et de l’abstraction. Aujourd’hui, L’Atlas poursuit une recherche centrée sur la ligne et la structure, qu’il considère comme la base d’un langage visuel en évolution constante. Sweet life, aérosol sur vitre de métro, 81*61cm, 2025. Don de l’artiste. 

Richard Orlinski est un sculpteur dont les œuvres sont conçues autour du concept « Born Wild » dans lequel l’artiste cherche à transformer les impulsions négatives en émotions positives. Inspiré par les conventions du Pop art et du Nouveau réalisme, il travaille en grande partie avec des matériaux industriels. Orlinki est l’artiste français le plus vendu dans le monde depuis 2015. KONG BARIL TAG est une pièce unique numérotée 1/1. 45 cm. Offert par l’artiste.

En août 2024, James Colomina, street artiste humaniste, se rend en Ukraine pour y installer six de ses célèbres sculptures rouges : Le Messager, La Petite Fille aux tournesols, La Marelle, La Colombe, L’Attrape-coeur et La Petite Fille à la balançoire. Ces oeuvres marquent les esprits et trois d’entre elles deviennent les figures de la planche de trois timbres créée en partenariat avec Ukrposhta.

Lancée le 24 février 2025 et tirée à 109 600 exemplaires (ce qui correspond aux 1 096 jours entre le début de l’invasion à grande échelle et la date de parution), cette série fait de James Colomina le premier artiste français à figurer au catalogue de la poste ukrainienne. Coffret philatélique dédicacé et numéroté 1/4 projet « ART vs WAR ». Offert par l’artiste.

François Fiedler est un peintre français d’origine hongroise mort en 2001. Un jour qu’il observe un pot de peinture murale craquelée par le soleil, il a l’idée de reproduire cet effet sur une toile. C’est alors qu’il délaisse la peinture figurative et évolue vers l’abstraction. Aimé Maeght, qui voit en Fiedler un grand artiste, lui assure un grand nombre d’expositions.

Sans titre, 1997, huile sur toile, 100*74 cm. Peinture offerte par la galerie Maeght. 

Dominique Labauvie est un sculpteur né en 1948. En 1997, il réalise une commande monumentale pour la Ville de Paris, Horizons suspendus, érigée sur le quai de la Seine dans le 19e arrondissement. Dominique Labauvie reçoit le prix de l’Adolph and Esther Gottlieb Foundation à New York en 2009, et le Tampa Museum of Art lui organise en 2010 une exposition personnelle intitulée « Lignes musicales dans ma main ».

Sans titre, 1990, pastel sur papier, 80*120 cm. Dessin offert par la galerie Maeght.

Dauminique Labauvie est un sculpteur né en 1948. En 1997, il réalise une commande monumentale pour la Ville de Paris, Horizons suspendus, érigée sur le quai de la Seine dans le 19e arrondissement. Dominique Labauvie reçoit le prix de l’Adolph and Esther Gottlieb Foundation à New York en 2009, et le Tampa Museum of Art lui organise en 2010 une exposition personnelle intitulée « Lignes musicales dans ma main ».

Observatoire du ciel, 1994, fusain sur papier, 153*102 cm. Dessin offert par la galerie Maeght.

Les peintures de la série “Villégiatures” de l’artiste français Mickaël Doucet présentent des intérieurs de villas contemporaines vidées temporairement de ses habitants. Des objets laissés pour compte ici et là, quelque peu énigmatiques, acheminent le spectateur vers une histoire extraite de sa propre imagination. Les juxtapositions d’images actuelles et de représentations fictives incitent le spectateur à se retrancher dans l’entre deux. Le spectateur est ainsi plongé à mi-chemin entre le passé et le futur tant au niveau narration qu’au niveau pictural. Satori en bleu – 49 cm x 30 cm – huile sur papier – 2021. Don de l’artiste.

Valéry Grancher est un artiste dont le parcours, entre Paris et Hong Kong, s’inscrit dans une exploration constante des frontières entre le monde physique et l’espace numérique. Pionnier de l’art en ligne dès les années 1990, il déploie une pratique pluridisciplinaire où la peinture traditionnelle, la vidéo et les nouvelles technologies se répondent. Il a peint cette toile au Pôle Nord alors qu’il a été accepté pour accompagner une exposition polaire.

Huile sur Toile de lin, 40×40 cm, 2007. Peinture avec réalité augmentée. Vidéo disponible avec application Artivive. Don de l’artiste.

Valéry Grancher est un artiste dont le parcours, entre Paris et Hong Kong, s’inscrit dans une exploration constante des frontières entre le monde physique et l’espace numérique. Pionnier de l’art en ligne dès les années 1990, il déploie une pratique pluridisciplinaire où la peinture traditionnelle, la vidéo et les nouvelles technologies se répondent. Sa démarche actuelle interroge la numérisation totale de notre environnement, transformant la contemplation du paysage en un champ de données binaires. À travers l’huile ou l’aquarelle, il confronte l’innocence apparente de la nature à la réalité des algorithmes et des calculs stochastiques qui saturent désormais notre vision du monde.

Aquarelle et encre de chine sur papier de riz, 24*35 cm, 2025. Peinture avec réalité augmentée. Vidéo disponible avec application Artivive. Don de l’artiste.

Valéry Grancher est un artiste dont le parcours, entre Paris et Hong Kong, s’inscrit dans une exploration constante des frontières entre le monde physique et l’espace numérique. Pionnier de l’art en ligne dès les années 1990, il déploie une pratique pluridisciplinaire où la peinture traditionnelle, la vidéo et les nouvelles technologies se répondent. Cette approche exploratoire lui a valu d’intégrer des collections institutionnelles majeures, telles que la Fondation Cartier ou le Fonds National d’Art Contemporain. Cette peinture a été inspirée lors de sa résidence artistique au Pôle Nord.
Huile sur toile, 60*60 cm, 2009. Peinture avec réalité augmentée. Vidéo disponible avec application Artivive. Don de l’artiste.

Roy Sfeir, qui peint aussi sous le pseudonyme de Jérôme Legrand, est un peintre contemporain autodidacte né à Beyrouth en 1952 et installé en France depuis 1976. Après une courte période figurative où il peignait la ville et les foules, il se consacre rapidement à l’art abstrait. Son travail puise ses racines dans l’émotion, l’intuition et le mouvement constant des paysages intérieurs. Il peint par couches — voiles d’acrylique dilué, eau et hasard — laissant chaque geste révéler de nouvelles profondeurs de lumière, de rythme et de texture. L’abstraction est son langage : un espace où mémoire, nature et instinct coexistent sans besoin de sujet défini. Des bandes verticales, des transparences lumineuses et des champs de couleur mouvants évoquent souvent le monde naturel, tout en restant totalement libres de toute représentation. Ce qui émerge est un équilibre entre contrôle et spontanéité, entre ce qui est caché et ce qui choisit de se montrer.

Le trait jaune, 2016, acrylique sur toile, 100 x 80 cm Peinture offerte par la galerie Samagra et l’artiste.

Ivan Marchuk, est un peintre ukrainien mondialement connu, classé parmi les 100 génies vivants par le journal anglais The Daily Telegraph. Il est l’un des fondateurs de l’avant-garde ukrainienne, lauréat du prix national Taras Chevtchenko en 1997, et nommé artiste du Peuple de l’Ukraine en 2002. Peinte en 2024, cette toile appartient à la toute dernière période créative du Maestro, baptisée « New Expressions ». Rompant avec le calme de ses paysages hivernaux traditionnels, Marchuk livre ici une composition abstraite d’une force explosive. Sur un fond noir profond, les entrelacs dynamiques de couleurs vibrantes s’entrechoquent dans un geste d’une liberté totale. C’est le témoignage puissant d’une créativité intacte qui continue de bousculer les codes. Le Maestro Ivan Marchuk, qui vient tout juste de fêter ses 90 ans, est un monument de l’histoire de l’art et une légende vivante. Il créera son propre style appelé « pleuntanizm » prenant son origine du mot ukrainien pleuntaty qui signifie « emmêler ». Ses œuvres, célébrées dans plus de 150 expositions personnelles à travers le monde, sont conservées dans les plus grands musées et les plus grandes collections institutionnelles.

Toile du cycle “New Expressions”, 2024, canva, acrylic, 60*50. Don de l’artiste.

L’oeuvre Peace and Love n°5 est une pièce centrale de la série éponyme de Crey132, née d’une réflexion profonde sur la violence croissante de notre société. Initiée en 2020, en plein cœur du mouvement Black Lives Matter, cette série replace le symbole universel de la paix au centre du débat contemporain pour dénoncer le racisme décomplexé et le mépris envers autrui. Sur cette toile, Crey132 utilise sa maîtrise technique de la bombe aérosol, véritable ADN de l’artiste, pour grimer des visages aux regards envoûtants, transformant les traits humains en un horizon de messages. Ce regard, que l’artiste décrit souvent comme une « fenêtre de vie », interpelle directement le spectateur sur sa propre humanité.

« Peace and Love n°5 », toile 1mX1m – réalisée à la bombe de peinture à main levée. Don de l’artiste.

Richard Orlinski est un sculpteur dont les œuvres sont conçues autour du concept « Born Wild » dans lequel l’artiste cherche à transformer les impulsions négatives en émotions positives. Inspiré par les conventions du Pop art et du Nouveau réalisme, il travaille en grande partie avec des matériaux industriels. Orlinki est l’artiste français le plus vendu dans le monde depuis 2015. Bombe bombée, born wild sculpture en résine peinte, n°1/1, signée et numérotée sur une plaque en métal.
Ht. : 75 cm. Offert par Florence Berthout, maire, au nom de la mairie du 5ème arrondissement de Paris.

Né à Abidjan en 1963, Patrice Marchal passe ensuite son enfance au Maroc. Ce regard habitué des grands espaces, du vaste ciel bleu et des horizons lointains, l’artiste les transportera en France et les transposera dans d’autres paysages, dans la lignée des peintres de l’Ecole de Barbizon. Peintre autodidacte, Patrice Marchal peint en toute liberté, s’ouvrant à tout et s’émerveillant de la beauté de la nature qui nous entoure! Chaque œuvre est une invitation personnelle, universelle et intemporelle. On sent l’odeur de l’herbe haute, on contemple l’horizon au bout de son chemin, on respire l’air frais de ses champs de coquelicots.

Huile sur toile 55*38 cm. Don de l’artiste.

Nikita est un artiste ukrainien né à Yalta en 1988. Diplômé de la National Academy of Fine Arts and Architecture de Kiev en 2010, il vit et travaille à Paris. Sous le nom de TheTooth&TheRoot, il conçoit avec Camille Sagnes de nombreuses expositions en France et à l’international. Leurs vidéos, installations, peintures et broderies n’ont de cesse de souligner le fatidique non-sens vers lequel semble s’engager notre société.

Portrait de Vladimir Poutine peint sur un Pareo 100 dollars, exemplaire unique 158*107cm. Don d’un collectionneur privé.

Nikita est un artiste ukrainien né à Yalta en 1988. Diplômé de la National Academy of Fine Arts and Architecture de Kiev en 2010, il vit et travaille à Paris. Sous le nom de TheTooth&TheRoot, il conçoit avec Camille Sagnes de nombreuses expositions en France et à l’international. Leurs vidéos, installations, peintures et broderies n’ont de cesse de souligner le fatidique non-sens vers lequel semble s’engager notre société.

Collage “Make America Great Against”, exemplaire unique signé, 45*66cm. Don d’un collectionneur privé.

Artiste peintre autodidacte d’origine ukrainienne, elle vit en France, depuis 2009. Fière d’être imprégnée de ces deux cultures très riches, dans ses créations, elle cherche à adapter les couleurs, les lignes, les formes et les ombres selon son ressenti en cherchant le mélange entre l’abstrait et le figuratif en simplifiant des formes, en renforçant les émotions pour faire voyager son spectateur.

Acrylique sur toile en coton, 60x60cm. Don de l’artiste.

Jean Serolle ne peint pas ses monochromes, il les sculpte par les superpositions de couleurs. Les couches de matières peuvent se superposer et les traits se multiplier, jamais rien n’est de trop : aucune surcharge, ni saturation car, toujours, des interstices se libèrent, des fenêtres s’ouvrent. A travers ses toiles, l’essentiel est là : dans les entrebaillements, les creux, les pigments se dévoilent. Si infimes puissent-ils être parfois, c’est bien en eux que se niche la profondeur. Et c’est d’eux, souvent, que jaillit la lumière. Jean Serolle est décédé en 2025.

Huile sur papier signé au dos 50*65cm. Don de la galerie Jean Serolle.

Vous avez sans doute en mémoire la réponse d’un chef de la garnison militaire sur l’Ile aux Serpents au début de la guerre en février 2022 : “Russian warship, go f*ck yourself !” Ce cri de résistance a inspiré le peintre ukrainien Boris Groh. Son dessin est devenu un timbre de la poste ukrainienne. L’artiste travaille avec les techniques artistiques traditionnelles et digitales. Sa devise : “Ce que vous voyez vous appartient.”

“Russian Warship”. Impression sur papier signé et numéroté, tirage limité à 30 exemplaires, 55*65cm. Don de l’artiste.

Originaire d’Uruguay, où il est né en 1932, Bolivar est arrivé en France en 1963 et y est mort en 2017. L’influence des cubistes et des constructivistes d’Europe l’ont amené à suivre ses compatriotes Torres-Garcia et Arden Quin. Il abandonne alors le classique carré ou rectangle de la tradition. Mais c’est surtout un coloriste. Il aime jouer avec les couleurs chaudes ou il manie les tons sourds et les dégrade dans des accords des plus sensibles. Exposé régulierement en France et à l’étranger, Bolivar fait partie du Fonds du Musée d’Art Moderne de Paris et du Fonds National d’Art Contemporain. Plusieurs de ses oeuvres graphiques se trouvent à la Bibliothèque Nationale de Paris et au Musée d’Art Moderne de New York.

Aquarelle signée. Don d’un collectionneur privé.

Originaire d’Uruguay, où il est né en 1932, Bolivar est arrivé en France en 1963 et y est mort en 2017. L’influence des cubistes et des constructivistes d’Europe l’ont amené à suivre ses compatriotes Torres-Garcia et Arden Quin. Il abandonne alors le classique carré ou rectangle de la tradition. Mais c’est surtout un coloriste. Il aime jouer avec les couleurs chaudes ou il manie les tons sourds et les dégrade dans des accords des plus sensibles. Exposé régulierement en France et à l’étranger, Bolivar fait partie du Fonds du Musée d’Art Moderne de Paris et du Fonds National d’Art Contemporain. Plusieurs de ses oeuvres graphiques se trouvent à la Bibliothèque Nationale de Paris et au Musée d’Art Moderne de New York.

Lithographie signée. Don d’un collectionneur privé.

Tetyana Yagodkina est une artiste contemporaine ukrainienne. Née en 1982 à Kiev, elle est diplômée de l’Académie nationale des beaux-arts et  d’architecture. Depuis 2004, elle a organisé 18 expositions individuelles en Ukraine, en Pologne, en Serbie et aux Émirats Arabes Unis.

Les œuvres de l’artiste font partie des collections d’un certain nombre de musées ukrainiens, notamment le musée « Art contemporain » d’Ukraine, et des musées en Pologne, Serbie et Géorgie. Ses œuvres sont conservées dans les fonds de l’Union nationale des artistes ukrainiens, dans les collections privées du président ukrainien L. Kravchuk et du président des Émirats Arabes Unis, Sheikh Khalifa bin Zayed, ainsi qu’aux États-Unis, en Espagne, en Suisse, en Israël, en Inde, en Macédoine, en Lituanie, en Lettonie, en Pologne, en Serbie, en Croatie et en Ukraine.

Technique mixte, 30 cm*30 cm, 2025. Don de l’artiste, avec le soutien de l’association Ukraft qui organise des rencontres entre peintres français et ukrainiens.

Né le 20 mars 1952 à Trostianets, dans la région de Soumy, en Ukraine, Henry Yagodkin est diplômé de l’Institut des Beaux-Arts de Kyiv. Ses œuvres sont conservées dans plusieurs musées ukrainien dont le Musée d’art contemporain d’Ukraine à Kyiv. Elles figurent aussi dans de nombreuses collections privées aux Émirats Arabes Unis, en France, au Royaume-Uni, en Allemagne, en Belgique, aux États-Unis, en Chine, en Corée et en Ukraine. Les œuvres d’Henry Yagodkin sont réalisées avec un professionnalisme de très haut niveau et représentent l’école ukrainienne de peinture du réalisme romantique et de la peinture historique.

Huile sur toile, 50 cm*70 cm, 2006. Don de l’artiste, avec le soutien de l’association Ukraft qui organise des rencontres entre peintres français et ukrainiens.

Olesya Trofymenko est une peintre et cinéaste ukrainienne contemporaine. Née en 1982 dans le village de Vilcha, qui fait aujourd’hui partie de la zone d’exclusion de Tchernobyl, elle vit et travaille à Kiev depuis 1986. Elle est diplômée de l’Académie nationale des beaux-arts et d’architecture d’Ukraine. Dans ses œuvres, elle utilise principalement une technique qu’elle a elle-même mise au point, alliant le point de croix et la peinture. Ces dernières années, le leitmotiv de l’œuvre de l’artiste a été une perception délibérément subjective du monde qui l’entoure et des événements qui s’y déroulent. Après le début de l’invasion à grande échelle, l’artiste s’est tournée vers les méthodes et les moyens du surréalisme, essayant de recréer la terrible réalité de la guerre en Ukraine par le remplacement paradoxal d’images inquiétantes par des images esthétiquement attrayantes.

  Fin mars 2022, la maison Dior a invité Olesya Trofimenko à créer les décors du défilé de la collection automne-hiver 2022

Technique mixte, 100 cm*115 cm, 2024. Don de l’artiste, avec le soutien de l’association Ukraft qui organise des rencontres entre peintres français et ukrainiens.

Volodymyr Reshetov (1930-2015) est diplômé de l’Institut d’art d’État de Kiev. En collaborant pendant de longues années avec « Ukrreklamfilm », l’artiste a apporté une contribution notable à la promotion des réalisations du cinéma national. Puis il s’est tourné vers la peinture et est l’auteur de paysages lyriques et romantiques empreints de sensibilité. Vladimir Reshetov appartient à la vieille école des artistes qui maîtrise parfaitement la technique réaliste et lui reste fidèle avec plaisir et un grand savoir-faire. Il utilise également dans ses tableaux les techniques impressionnistes de la légèreté et de la couleur. Ses œuvres sont conservées au Musée national des Beaux-Arts d’Ukraine et dans des collections privées

Huile sur toile, 50 cm*50 cm, 2005. Don de Tetyana Yagodkina, avec le soutien de l’association Ukraft qui organise des rencontres entre peintres français et ukrainiens.

Diplômée des Beaux-Arts de Rennes, Fanny Lechevalier exprime son soutien, son opinion et ses sentiments, notamment sa frustration de n’être qu’une simple spectatrice de ces événements tragiques à travers des photomontages. Le point de départ de ses créations sont les photos de presse. Notre connaissance de la réalité de cette guerre n’est possible que grâce au travail des journalistes et des photojournalistes. Par l’ajout de la peinture dans la photo, elle essaye de créer un arrêt sur image, afin que nous ayons le temps de ressentir et de penser, un peu comme lorsque l’on va au musée, où le temps semble s’arrêter l’instant d’une rencontre avec un tableau. Elle tente ainsi de donner aux Ukrainiens un moment de paix au milieu du chaos de la guerre, et aux Européens un instant de compassion et de réflexion.

Photomontage numéroté 1/ 10 dans la dimension 84,1 x 59,4 cm (Dimensions extérieures : 85 x 60,3 cm), alu Dibond, papier Hahnemühle Fineart, vernis Hahnemühle, encadrement, Artbox noir. Don de l’artiste.

Leonor Fini (1907 – 1996) est considérée comme l’une des artistes femmes les plus importantes du 20ème siècle. Son imagination fertile et sa nature onirique lui ont souvent valu d’être qualifiée de surréaliste. Bien que très proche de Max Ernst, Leonora Carrington, Salvador Dali, Meret Oppenheim ou encore Dora Maar, elle a toujours refusé d’appartenir à un quelconque groupe ou de s’associer à leurs manifestes. C’est seule que Léonor Fini trace sa voie. Son talent est reconnu dès les années 1930, c’est la première artiste qu’expose Christian Dior dans sa galerie avant qu’il ne devienne couturier, quelques années avant de partager une exposition avec Max Ernst lors de sa première exposition à la galerie Julien Levy à NY. C’était en 1936, la même année où elle a été choisie pour participer à l’exposition phare du MOMA, Fantastic Art, Dada and Surrealism.

Esquisse n°41, 41.5 x 32.5 cm, encadrée. Don de la Galerie Durazzo.

Leonor Fini (1907 – 1996) est considérée comme l’une des artistes femmes les plus importantes du 20ème siècle. Son imagination fertile et sa nature onirique lui ont souvent valu d’être qualifiée de surréaliste. Bien que très proche de Max Ernst, Leonora Carrington, Salvador Dali, Meret Oppenheim ou encore Dora Maar, elle a toujours refusé d’appartenir à un quelconque groupe ou de s’associer à leurs manifestes. C’est seule que Léonor Fini trace sa voie. Son talent est reconnu dès les années 1930, c’est la première artiste qu’expose Christian Dior dans sa galerie avant qu’il ne devienne couturier, quelques années avant de partager une exposition avec Max Ernst lors de sa première exposition à la galerie Julien Levy à NY. C’était en 1936, la même année où elle a été choisie pour participer à l’exposition phare du MOMA, Fantastic Art, Dada and Surrealism.

Esquisse n°55, 41.5 x 32.5 cm, encadrée. Don de la Galerie Durazzo.

Aquarelle d’Alys, une artiste peintre contemporaine basée au Mans. Alys se concentre principalement sur la peinture abstraite et le paysage. Elle réalise également des projets de murals et de green art (art végétal). Elle participe à des concours d’art internationaux. Ses projets s’étendent à plusieurs villes françaises (Paris, Lyon, Poitiers) ainsi qu’à Bruxelles. 

Aquarelle, encadrée, 38 x32 cm. Don d’un particulier.

Karima Ben Cheikh est une artiste tunisienne pluridisciplinaire née en 1986 à Tunis. Depuis 2010, elle réside à Paris, où elle a étudié les arts à La Sorbonne. Ses œuvres sont caractérisées par un style expressionniste, entre figuratif et abstrait, qui témoigne de son désir de capturer les émotions et les expériences humaines de manière viscérale. Karima a participé à plusieurs expositions et événements artistiques à Paris. 

Sans titre (Figure), 2026. Aquarelle et encre (posca) sur papier, 310 g
29,7 × 21 cm. Don de l’artiste et de la galerie Khal.

ABK (Alexandra Boucherifi-Kornmann) est une artiste plasticienne franco-italienne diplômée en arts plastiques et en histoire de l’art. En 2019, elle fonde la peinture augmentée aussi appelée l’augmentisme, un courant pictural qui « technologise le pigment ». Elle associe peinture pigmentaire et digitalités via l’intelligence artificielle, la
réalité augmentée, le QRcode, le mapping, la réalité mixte etc. afin d’interroger les nouvelles mutations. ABK a été invitée au Centre Pompidou, au festival Ars Electronica, chez Agnès b. ou encore l’INSERM.

Après l’explosion, 2012-2013, acrylique sur toile, 59x81cm. Don de l’artiste.

À travers la fusion d’une feuille et d’un circuit imprimé, Bio Circuit explore la continuité entre le vivant et la technologie. L’œuvre d’ABK s’inspire du « Wood Wide Web », ces réseaux souterrains par lesquels les arbres communiquent et échangent des ressources. Elle rappelle que la feuille a inventé le réseau bien avant l’humain avec la technologie, transformant déjà la lumière, l’énergie et l’information. Entre nervures végétales et pistes de cuivre, la machine apparaît comme une prolongation des logiques du vivant. L’œuvre invite ainsi à préserver l’équilibre fragile qui relie le biologique, le minéral et le technologique au sein d’une même histoire terrestre. Pour la partie anecdotique, c’est aussi certainement le premier courant pictural martien car l’artiste l’a envoyé sur Mars via un Rover de la Nasa.

Bio circuit, 2026, 40x40cm, acrylique sur toile + vidéo IA. Don de l’artiste.

Ernest Pignon, dit Ernest Pignon-Ernest, est un artiste plasticien français, né le 23 février 1942 à Nice. Depuis 1966, il a fait de la rue le lieu même d’un art éphémère qui en exalte la mémoire, les évènements ou les mythes. Il est considéré comme l’un des précurseurs de l’art urbain en France. Ses dessins de Rimbaud ou de Pasolini sont devenus des icônes mondiales.

Parcours Mahmoud Darwich, PIGNON-ERNEST 2013,  estampe numérique 40ex, 80 x 60cm (hors cadre), encadré. Don de l’artiste et de la galerie Lelong.

Ernest Pignon, dit Ernest Pignon-Ernest, est un artiste plasticien français, né le 23 février 1942 à Nice. Depuis 1966, il a fait de la rue le lieu même d’un art éphémère qui en exalte la mémoire, les évènements ou les mythes. Il est considéré comme l’un des précurseurs de l’art urbain en France. Ses dessins de Rimbaud ou de Pasolini sont devenus des icônes mondiales.

Port-au-Prince 2, PIGNON-ERNEST 2021, estampe numérique 40ex., 60 x 80cm (hors cadre), encadré. Don de l’artiste et de la galerie Lelong.

Plasticienne tunisienne à la renommée internationale et maître verrier, Sadika Keskes a gagné ses lettres de noblesses en modernisant et artialisant la pratique du verre, notamment à travers la finesse d’une approche théorique et post-euclidienne de modules qu’elle souffle elle-même. Beaux-artienne, c’est à Murano auprès de maîtres prestigieux de la maison Seguso qu’elle se forme dans les années 80, s’affirmant comme pionnière du feu et du verre soufflé en Tunisie. Au-delà de sa pratique formelle, Sadika Keskes est une artiste plasticienne engagée, souvent qualifiée d’« artiste guerrière » (Lancri, 2015), notamment connue pour ses Tombeaux de la dignité, en hommage aux migrants, mettant en exergue la fragilité du monde et luttant pour l’humain. Ses installations monumentales et ses sculptures de verre circulent dans le monde à travers les institutions publiques, les musées d’art contemporain et les fondations privées d’Europe, du Moyen-Orient et des États-Unis, attirés par la dualité unique de son œuvre, entre puissance esthétique et portée géopolitique.

Au-delà d’Euclide : L’Équation du Souffle (série 2010-2026), verre soufflé, 35*40 cm. Don de l’artiste.

Nicole et Aude de Choulot sont sœurs. Après une enfance africaine puis berrichonne, elles s’installent en région parisienne. Autodidactes, elles se lancent dans la sculpture et se passionnent pour le papier mâché.

Papier journal, colle à papier peint, fil de fer et grillage deviennent entre leurs doigts un étonnant bestiaire. Coqs, poules, dindons et autres habitants de la basse cour sont habillés de titres de grands quotidiens : Le Monde, Le Figaro, Libé, tous y passent et dessinent plumages et collerettes.
Les trophées de papier sont rendus vivants par leur regard aux yeux de verre. Les pelages empruntent leurs couleurs aux magazines de mode et de décoration.

Le canard enchaîné, sculpture en papier mâché. Don des artistes.

C’est dans une lettre adressée à son ami d’enfance, Marcel Bernard, qui avait pris le cliché en octobre 1939 au Peyrou de Montpellier, que Jean Moulin exprime son désir et sa joie de pouvoir se balader à “la campagne” (domaine viticole de la famille Bernard) lors de sa prochaine visite dans le Biterrois. Ce domaine se trouve dans le hameau du Viala, près du village de Nissan-lez-Ensérune, qui est également le village d’origine de Pierre Marquès, l’artiste ayant réalisé le portrait. Le texte “Créer C’est Résister” met en valeur le visage de Jean Moulin. Ces mots, exprimés par Stéphane Hessel et inspirés d’une réflexion de Gilles Deleuze, doivent résonner pour les générations à venir. Ce portrait sublime l’essence même de l’humanité, incarnée par le résistant, tout en magnifiant la symbiose fraternelle qui unit deux êtres aux trajectoires divergentes, mais irrémédiablement ancrés dans un territoire qui les définit.

50 x 65 cm, réalisé au pochoir, peint à l’aérosol en noir et argent. Don de l’artiste.

“Les carnets secrets” est une oeuvre qui met en scène une Gisaeng, assise au sol et qui essaie de dissimuler un carnet. Les gisaeng sous la période Joséon et la dynastie Yi étaient des artistes talentueuses en musique, poésie et dance. Elles occupaient un peu la même fonction que les Geishas au Japon. Elle se devait d’amuser les hommes de la upper class. Elles ont souvent joué un rôle important dans les relations entre les hommes de pouvoir et l’entourage de l’Empereur. L’artiste aime le côté énigmatique et secret de ces femmes particulières. Les carnets défendus ou secrets confèrent à leur rôle un caractère encore plus mystérieux.

L’exploration de Lisbeth Buonanno tourne autour d’un leitmotiv : capter un instant de vie. Entre décors urbains et ambiances feutrées, où des machines imposantes côtoient le vintage et le futur, ses personnages évoluent dans de véritables théâtres de poche confidentiels. Elle expose à Paris, en Europe mais aussi en Asie (Chine, Vietnam, Singapour).

Peinture : huile, stylo bille, tempera, pigments, 30 x 30 x 1.8 cm, 2023. Don de artiste.

Marie-Gabrielle Duc vit et travaille à Paris. Entretient une activité artistique polymorphe: écriture, peinture, sculpture. Après son roman La Remorque Rouge chez Albin Michel, elle collabore avec la plasticienne Jeanne Susplugas qui associe certains de ses textes à des œuvres et performances. Le Générateur de Gentilly l’invite également à lire son Monologue d’un paysage qui marque une inflexion dans son rapport à l’action. Le processus d’écriture dépasse progressivement l’expression romanesque pour pour transmettre plus directement sa pensée par la couleur.

La série de tableaux « Précaution » s’inspire d’une île du Spitzberg où l’on garde dans une chambre forte toutes les graines de cultures vivrières nécessaires à l’humanité. Elle veut pour aa part engranger un maximum de souvenirs de cette force végétale et de cette beauté opiniâtre à vivre.

Acrylique sur toile: format 58x78cm (65×85 cm encadré) Don de artiste.

Marie-Gabrielle Duc vit et travaille à Paris. Entretient une activité artistique polymorphe: écriture, peinture, sculpture. Après son roman La Remorque Rouge chez Albin Michel, elle collabore avec la plasticienne Jeanne Susplugas qui associe certains de ses textes à des œuvres et performances. Le Générateur de Gentilly l’invite également à lire son Monologue d’un paysage qui marque une inflexion dans son rapport à l’action. Le processus d’écriture dépasse progressivement l’expression romanesque pour pour transmettre plus directement sa pensée par la couleur.

La série de tableaux « Précaution » s’inspire d’une île du Spitzberg où l’on garde dans une chambre forte toutes les graines de cultures vivrières nécessaires à l’humanité. Elle veut pour aa part engranger un maximum de souvenirs de cette force végétale et de cette beauté opiniâtre à vivre.

Acrylique sur toile: format 58x78cm (65×85 cm encadré) Don de artiste.

Jean Fautrier (1898-1964) est un peintre et sculpteur français, pionnier de l’art informel. Connu pour ses œuvres texturées et puissantes, notamment la série des « Otages », il a profondément marqué l’art abstrait du XXe siècle. Son travail, explorant la matière et l’émotion, continue d’influencer de nombreux artistes. Il est  inventeur des hautes pâtes en 1940 et une figure majeure du renouvellement de l’art moderne après le cubisme. Tout au long de sa carrière, Fautrier continue d’explorer les possibilités expressives de la peinture et de la sculpture, exposant largement en France et à l’étranger. Il reçoit plusieurs distinctions, dont le Grand Prix de la Biennale de Venise en 1960. En 2018, le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris a rendu hommage à Jean Fautrier.

Nu allongé tête à gauche (2), 1944, dessin à l’encre, 31,5 x 35,5 cm Don de la galerie Seroussi

Ayant toujours dessiné depuis son plus jeune âge, le déclic s’est produit pour l’artiste après un voyage aux Seychelles où la révélation du monde sous-marin a changé sa vie. Mtysz se met à la plongée sous-marine et découvre un monde plein de vie et de couleur, chargé d’émotion. Peintre autodidacte, elle décide de transmettre sa vision personnelle par la peinture et enchaîne tableau sur tableau avec frénésie. Tous les thèmes sont reliés entre eux avec l’omniprésence de la mer, d’un ciel bleu vibrant et de lumière. Influencée par Magritte, Dali, M.C Eischer et D. Appia entre autres, elle innove en créant son propre monde imaginaire mêlant le fantastique au quotidien.

Fourberie d’esturgeon, diptyque, huile et collage de peaux tannées affinées sur chassis toilé, 2 fois 80 *80 cm. Don de l’artiste.

Cette sculpture en céramique fusionne la forme d’un corail avec l’anatomie du cœur humain, brouillant la frontière entre le corps et le monde naturel. La structure ramifiée évoque à la fois le réseau de vaisseaux de l’aorte et la croissance organique des colonies de corail, suggérant une architecture commune du vivant.

Olena Voitenko est une artiste céramiste ukrainienne créant des œuvres sculpturales inspirées par la nature, les formes marines et les structures qui relient les systèmes vivants. À travers la céramique, elle explore la relation entre le corps, le paysage et la transformation de la matière. Elle travaille à Paris.

Don de l’artiste.

Cette sculpture en verre de Benoît Dutour incorpore trois boitiers de montre. Les montres se sont arrêtées de fonctionner depuis le 24 février 2022, début de l’”opération militaire spéciale”. 

Alive ? Grande question que Benoît Dutour explore, décompose, challenge à travers la beauté, l’humour, la spiritualité, la science, l’impertinence et l’art plastique en général. Si les réponses qu’il apporte à sa quête insatiable du sens de la vie sont intéressantes, les chemins qu’il emprunte pour y parvenir sont tout aussi importants car le message, le cri parfois ou le clin d’œil souvent, privilégient la poésie de l’instant. En quête de se rapprocher le plus possible de l’essence de la beauté et de la forme parfaite, Benoît Dutour s’est inspiré de simples gouttes de pluie qui, dans leur voyage vers la terre, apportent la vie.

Verre optique sculpté, 30 cm de haut, 3,6 kg. Don de l’artiste.

« Un lieu où vivent la lumière et la chaleur » est une œuvre du peintre Kim Hennadii, empreinte d’harmonie intérieure, de sérénité et d’une lumière délicate. La composition séduit par la subtilité de ses couleurs et la douceur de son atmosphère, créant une sensation de chaleur et d’équilibre émotionnel.

Réalisée dans une technique d’auteur proche du pointillisme, l’œuvre se compose d’une multitude de nuances colorées qui donnent à la surface une vibration vivante et raffinée. L’association de l’huile et de l’acrylique apporte profondeur, intensité et modernité à l’ensemble.

Technique : huile et acrylique sur toile, Dimensions : 70 × 50 cm, 2026. Don de l’artiste.

Peintre, sculpteur et artiste expérimental, TEURK développe depuis les années 1990 une pratique artistique à la croisée du graffiti, de la science et de la matière. Issu de l’art urbain, il construit une œuvre protéiforme où se rencontrent peinture, sculpture, installation, performance et expérimentation. Son travail s’oriente notamment dans l’étude du métal, des réactions chimiques et du magnétisme. À travers l’usage d’aimants, de limaille de fer, de fluides et de matériaux bruts, il révèle les formes produites par des forces habituellement invisibles. Son approche consiste moins à représenter le réel qu’à mettre en lumière les processus qui l’organisent. Il explore ainsi les dimensions plastiques des phénomènes chimiques, physiques et organiques, développant un langage artistique fondé sur l’observation et la transformation de la matière. Membre des Augmentistes, il explore le magnétisme comme matériau, phénomène et langage plastique, cherchant à révéler les structures invisibles qui traversent la matière et nourrissent une expérience picturale élargie. Parallèlement à son travail d’atelier, l’artiste réalise des installations monumentales et des sculptures dans l’espace public.

Dimensions : 20x20cm + vidéo sur clef USB
Technique : limaille de fer et liquide ferromagnétique sur magnet marouflé sur acier. Don de l’artiste.

Jacek Woźniak, né le 9 octobre 1954 à Cracovie, est un dessinateur de presse, caricaturiste, illustrateur et peintre franco-polonais. Très engagé dans l’opposition au régime communiste polonais, il participe au mouvement syndical Solidarność. Arrêté lors de l’état de siège en Pologne en 1981, il est emprisonné puis obtient l’asile politique en France en 1982. Après son arrivée à Paris, il collabore avec plusieurs journaux avant de rejoindre Le Canard enchaîné en 1986, dont il devient l’un des dessinateurs emblématiques. Son style est reconnaissable à ses personnages élancés et à son humour satirique, souvent tourné vers la politique et les questions de société. Il a également travaillé avec Cabu, dont il fut le coloriste attitré et l’ami, et a collaboré avec Manu Chao sur plusieurs projets artistiques.

Il esquisse ici avec une grande délicatesse un personnage empreint d’une tristesse retenue mais perceptible, troublé par la guerre qui se dessine discrètement en arrière plan. Cette proposition poétique a été conçue aux couleurs de l’Ukraine comme un cri silencieux et un hommage puissant.

Dessin sur papier, 21*29,7 cm. Don de l’artiste.

La famille Fabre nous offre une dame Jeanne du Château Fabre Gasparets, Les 3 André, un alcool avec un assemblage complexe de plus de 45 millésimes. Il n’en ai produit que 10 bouteilles par an ! Un produit d’exception !

Terroir: Argilo calcaires et galets roulés. Forte exposition au soleil.

Vendanges: Manuelles pour sélectionner strictement les plus belles grappes.

Vinification: Les raisins sont pressés puis vinifiés traditionnellement avant d’être mutés.

Élevage: Élevé en milieux oxydatif : un an dans des dames jeanne puis oublié en solera dans la cave souterraine.

Alexandre Gabriel, Maître de chai de la Maison Ferrand depuis plus de 30 ans, se lance dans chaque création avec une vision singulière. Pour Légendaire, le chef d’œuvre de Cognac Ferrand, il compose un assemblage des plus vénérables cognacs du Paradis. Chaque cognac qui prête sa voix à l’harmonie de Légendaire apporte un ton unique, en écho à son profil aromatique particulier, à sa durée de vieillissement et à la part offerte aux anges. Le fût zébré dans lequel l’assemblage se fait ne donne que 500 bouteilles d’un cognac vraiment sublime et unique en son genre. Ceci est l’expression ultime de la poursuite de la perfection qui est la marque de Cognac Ferrand. Un cognac aussi distingué et rare que Légendaire est destiné à être servi dans une carafe aussi impressionnante que le spiritueux inégalé qu’il contient. Les illustres maîtres cristalliers de Waltersperger ont su créer un récipient digne de ce cognac, une carafe en cristal soufflée à la main, fabriquée au cœur de la vallée de la Bresle en Haute-Normandie.

Plusieurs lots de vin seront composés de bouteilles venant de la mosaïque de terroirs qu’est l’Occitanie. D’autres bouteilles sont issues des terres de Loire, comme ces rares 1976 du domaine Delisle-Lamé-Bouclard, et même d’Italie pour un magnifique Chianti 2019 de la Villa Geggiano.  

Le Domaine Désertaux Ferrand nous offre une caisse de 6 bouteilles de son Nuits-Saint-Georges premier cru.

L’abbaye de Scourmont nous offre 40 jéroboams de Chimay Grande réserve ! Bière d’exception, elle ravira les papilles des amateurs de bières fortes et complexes. Son vieillissement en fût de chêne lui confère une richesse aromatique unique, qui en fait une référence dans le monde de la bière.

Appellation Pic-Saint-Loup, Mas Thélème, Jéroboam.

AOP Faugères, au coeur du Languedoc.

Un vin au cœur du Languedoc. 3 étoiles et un coup de cœur dans le guide Hachette. 2 lots de 3 bouteilles.

IGP Haute Vallée de l’Aude, magnum. 

Yann Vernerie a pris cette photo à Lviv en 2025. C’est une photo « entre les 2 mondes » dans lequel se trouve l’Ukraine actuellement, entre la sortie de l’ère soviétique avec la vieille dame et la « jeune mariée Ukraine » tourné vers l’Europe. Tirage offert par le photographe.

Photographe pro depuis 1997, basé à Paris et à Lyon, Thierry Foulon réalise des portraits, des reportages et des événements pour des cabinets d’avocats, des grandes écoles et des entreprises, en studio ou sur site. Cette image “John Lawyer Steed”, réalisée dans la cadre d’une commande pour Naval Group, met en scène David, juriste de droit anglo-saxon en John Steed, clin d’oeil à la série anglaise “Chapeau melon et bottes de cuir” (Avengers). Tirage offert par le photographe.

« Mezzanine, Uptown Theatre, Chicago, IL., EU, 2008 » est une photo d’art d’Yves Marchand et Romain Meffre d’un théatre abandonné – 95×120 cm. Leurs oeuvre figurent dans de nombreuses collections privées. Vendue avec un livret présentant le travail des photographe.  Photo offerte par un collectionneur privé. 

Charles Maze créé des Anamorphoses. Photographe-artiste ou artiste-photographe, loin des modes passagères, Charles Maze s’inscrit dans la tradition des photographes qui fusionnent le monde contemporain à une réflexion sur l’image symbolique et archétypique. Le succès de ces expositions lui a permis de développer un réseau de collectionneurs en Europe, en Asie et aux Etats-Unis. Impression sur Durst Lambda 130, papier satiné, contre-collage sur Dibond, Châssis rentrant en aluminium, n°1/15, 2016 – 75 cm. Photo offerte par la galerie Chevalier & Parsua.

Cette photo de la célèbre place Maïdan a été prise par Guillaume Herbaut trois semaines avant le début de la guerre à grande échelle. Ce photographe est habité par l’Ukraine. Depuis vingt ans, il la raconte en images. Il est lauréat du World Press Photo 2022 pour son travail en Ukraine. Impression sur papier baryté, n°1/10 – Format 30*37 cm. Série Ukraine, terre désirée. Tirage offert par le photographe.

Ce portrait poignant d’une petite fille a été saisi par le photo-journaliste Eric Bouvet à la gare de Kyiv en février 2022 au début de la guerre à grande échelle, alors que la population fuyait en masse les bombes russes. Il est lauréat de cinq World Press Photo Awards, du Frontline Club Award, et de deux Visa d’Or News. Série Journal d’Ukraine, Petite fille à la gare de Kiev, février 2022. Tirage offert par le photographe.

Cécile Le Talec construit son œuvre depuis de nombreuses années autour des questions qui interrogent les relations qu’entretiennent la musique – le langage – le territoire et ses écritures. L’architecture devient paysage et l’homme évolue dans ce paysage. Dans l’ensemble de son travail, Cécile Le Talec explore des espaces intermédiaires, le visible et l’invisible, le sonore et son silence, le mouvement et la disparition du geste, et développe une démarche qui questionne la perception de l’espace dans sa dimension sonore et musicale. Constellation du Cygne, 2026 – 30 x 30 cm, Technique : dessin à l’encre + prisme de verre photographie + feuille d’or. Tirage offert par l’artiste.

Photo de Marie Blin. Le désir est sans doute ce sentiment qui nous anime le plus, qu’il soit d’ordre physique ou intellectuel. Le désir de plaire, le désir d’apprendre, le désir de partager… La pomme représente pour la plupart d’entre nous ce symbole du désir. Fruit mythique et mystique présent dans certaines traditions religieuses et mythologies. Ce fruit de la tentation, lié à l’amour, à la beauté mais aussi à la discorde et à la notion de péché. Marie Blin a voulu à travers ses photos lui rendre une sorte d’hommage. Elle mixe parfois la peinture et la technique photographique ce qui lui donne l’impression que cette déclinaison est infinie.

Pêché consommé N° 1/10 30×37,5 cm. Tirage offert par le photographe.

Photo de Bernard Tartinville. Il collabore depuis bientôt 25 ans avec de nombreux magazines et agences de communication. Une de ses spécialités est la photo à 360°C et la réalisation de visites virtuelles de haute définition. Pour parvenir à prendre ce cliché, une cordée de 3 alpinistes dont Bernard a gravi plusieurs fois le mont Blanc. Cette photographie a reçu le 3e prix, en 2020, dans la catégorie VR/360 à l’occasion de The Epson International Pano Awards, qui est le plus grand concours mondial dédié à la photographie panoramique professionnelle avec 96 pays représentés, 1 452 photographes et 5 859 photos proposées.

Bernard Tartinville a pris une série de photographies de ces bateaux « classe J » à l’occasion d’une régate organisée en marge de la coupe de l’America organisée à Barcelone en 2025. Ces magnifiques vieux gréements avaient participé à cette prestigieuse compétition dans les années 30 !

Photo d’Alexandra Oza. Ancien chercheur en sciences sociales devenu artiste, elle s’efforce, à travers aa photographie, de sensibiliser le public à des enjeux sociaux majeurs. Elle utilise des techniques analogiques sans retouche, créant ainsi un lien authentique entre les spectateurs et la sincérité de ses images.

L’Éclat de la Mémoire, 2024. Épreuve argentique originale. Tirage sur papier d’art, 60 x 80 cm. Numéro 1/3. Signée par l’artiste en bas à droite. Baguette en plexiglas anti-UV avec encadrement. Tirage offert par le photographe.

Photo de Marie Blin. Le désir est sans doute ce sentiment qui nous anime le plus, qu’il soit d’ordre physique ou intellectuel. Le désir de plaire, le désir d’apprendre, le désir de partager… La pomme représente pour la plupart d’entre nous ce symbole du désir. Fruit mythique et mystique présent dans certaines traditions religieuses et mythologies. Ce fruit de la tentation, lié à l’amour, à la beauté mais aussi à la discorde et à la notion de péché. Marie Blin a voulu à travers ses photos lui rendre une sorte d’hommage. Elle mixe parfois la peinture et la technique photographique ce qui lui donne l’impression que cette déclinaison est infinie.

Le Jardin d’Eden N° 2/10 30×37,5 cm. Tirage offert par le photographe.

L’affiche de 1982 met à l’honneur Federico Fellini et son film sorti en 1983, Et vogue le navire.

Affiche, 60×80 cm, offerte par un collectionneur privé.

Cette affiche de 1989 met bien évidemment à l’honneur le bicentenaire de la révolution française.

Affiche, 60×80 cm, offerte par un collectionneur privé.

Nicolas Cleuet est un photo-reporter qui couvre la guerre en Ukraine depuis le début de la guerre à grande échelle. Cette photo a été prise en mai 2022 à Kharkiv, sur le boulevard périphérique où un véhicule civil a été détruit au carrefour de Saltivka. Un homme et sa femme y ont trouvé la mort aux premiers jours de l’attaque russe en février 2022. 40*60 cm. Tirage offert par le photographe.

Bruno Delamain photographie les lieux en construction depuis 1995. La Cathédrale d’Evry, Le Stade de France, le Barrage des Trois Gorges, Vulcania, le Petit Palais, le Collège des Bernardins sont quelques-uns de ses « grands chantiers ». Cette photographie d’un modelage d‘Auguste Rodin (Le Baiser) réalisée par Bruno Delamain fait partie de la série de 40 photographies réalisées à Meudon et qui ont été exposées du 8 juillet au 28 septembre 1997 à l’Hôtel Biron, rue de Bourgogne. Ces photographies sont entrées dans les collections du Musée Rodin.

Tirage argentique format 30 x 30 cm sur papier Ilford baryté mat, numéroté 2/15, présenté sous passe-partout muséum, format 40 x 60 cm, 1997. Tirage offert par le photographe.

Maxim Dondyuk est un photographe ukrainien Il a été lauréat de plusieurs prix prestigieux : Visa d’or de la ville de Perpignan Rémi Ochlik pour son projet “Culture of confrontation” en 2014, prix W.Eugène Smith en 2022 et  prix Polka du Photographe de l’année 2022. Voilà comment il parle de son travail : “As for me, I did not film the war thinking that it may change something. Although it is about my own country’s history, I can just take pictures to inform people about the war.” 

Photo prise le 18 février 2014 place Maïdan. Serie EuroMaidan: culture of confrontation, 69*46 cm. Photo offerte par un collectionneur privé.

Née en 1979 en Roumanie, diplômée des Beaux-Arts de Bucarest, Dana Cojbuc met au centre de son œuvre la nature et porte un regard poétique sur le paysage, joue avec lui et n’hésite pas à le mettre en scène. Après avoir développé un travail photographique pendant plusieurs années, Dana Cojbuc effectue une singulière et sensible transition vers le dessin. Elle reçoit le Prix du jury pour la résidence Tremplins Jeunes Talents au Festival Planches Contact en 2022. Elle est lauréate de la Bourse du talent «Paysage» en 2022 et de la résidence pour la photographie de la Fondation des Treilles en 2025. Elle vit aujourd’hui à Paris et est représentée par la galerie Catherine Putman.

Dans la série « Ouvrir le rivage » (2023), Dana Cojbuc a pris la plage de Deauville comme un espace inconnu à explorer, contrastant avec le village au sud de la Roumanie où son imagination prend sa source. Deux mondes aux antipodes. Tirage photographique en piézographie, encadré sans vitre, offert par la photographe.

Dimension 30*84 cm

Née en France, Claudia Revidat est une photographe et réalisatrice dont le travail se situe au croisement du documentaire et de l’art contemporain. Elle explore le dialogue entre l’intime et l’universel, mêlant approche photographique, recherche anthropologique et expérimentation visuelle. Ayant découvert la photographie très jeune, y trouvant à la fois un refuge et un langage à part entière, elle y a trouvé un moyen de transformer ses blessures en matière créative. Son œuvre explore la mémoire, la vulnérabilité et la capacité humaine de reconstruction, mêlant avec subtilité le personnel et le collectif.

Depuis plus de dix ans, elle s’immerge dans des communautés reculées, des steppes mongoles aux tribus masaï du Kenya, des Kogis de Colombie aux peuples d’Inde, d’Éthiopie et d’Ouganda, façonnant une œuvre profondément humaine, sensible et engagée. Son projet au long cours, “Women of Fire”, a été récompensé par le festival In Cadaqués , le festival PhotoVogue de Milan et le Prix Pictet.

Les enfants de Suma, Série “Women of fire, 2022, Dimension 20*30 cm, tirage offert par la photographe.

Katalin Száraz passe d’un pays à l’autre et vis à l’étranger depuis des années maintenant; la dimension émotionnelle de ce mode de vie sans racines est donc inévitablement devenue le thème central de ses dernières œuvres. Ses expériences l’ont transformée, et il n’y a pas de retour en arrière possible dans ce voyage. “J’ai souvent l’impression de ne pas appartenir à l’endroit où j’essaie de m’intégrer, écrit l’artiste, mais de ne plus appartenir non plus à mon pays d’origine. Y retourner me rendrait insatisfaite, partir me laisse un sentiment d’instabilité. J’ai choisi la technique du « polaroid emulsion lift » et son aspect flottant et froissé pour refléter mon état d’esprit, ainsi que cet espace abstrait et déconnecté.”

Dibond-mounted giclée print, 30×30 cm, Edition 2/15, tirage offert par la photographe.

Cyril Marcilhacy est un photo-reporter talentueux. On retrouve ses photos dans la presse magazine en France et à l’étranger, sur des sujets de société : VSD, Paris Match, National Geographic France, 6 mois, le Figaro, le Monde. Il est membre du collectif Item.

Ce cliché a été pris à Bamiyan en Aghanistan Pendant l’Afgha ski challenge qui propose à des skieurs étrangers de venir participer à une course en ski de randonnée avec des afghans.  En l’absence de remontées mécaniques, le podium est transporté à dos d’homme.

Afgha ski challenge, 40×60 cm, 2013. Tirage offert par le photographe.

Denis Meyer a travaillé pendant 15 ans dans le secteur de l’Économie Sociale et Solidaire et a oeuvré en tant qu’activiste dans plusieurs collectifs de luttes non-violentes liées à la désobéissance civile. Depuis sa reconversion dans la photographie en 2016, il a mené des projets documentaires à travers le monde, paysages et portraits s’entrecroisent dans ses travaux. Il collabore notamment avec GEO, Le Monde, National Geographic, Stern, Paris-Match, 6MOIS, Society, ELLE, Greenpeace, Amnesty International… Il est membre de l’agence Hans Lucas

Les pompiers de Notre Dame, 60×40 cm, 15 avril 2019. Tirage offert par le photographe.

Graphique et élégante, MAILBOX propose un rappel poétique de la forme d’une boîte aux lettres, avec des bonnes nouvelles. Décliné dans un cuir de vachette grainé sophistiqué et moderne, MAILBOX met en valeur tout le savoir-faire maroquinier de la marque. Coloris : Jaune. Offert par Longchamp.

A travers une élégance affirmée, le PLIAGE XTRA est polyvalent, ludique et trouve naturellement sa place dans votre dressing. Sa ligne moderne et sobre apporte dynamisme et relief au quotidien citadin. Cuir de vachette – Coloris : Navy. Offert par Longchamp.

La montre chronographe Hermes Clipper est une montre-bracelet élégante conçue pour les femmes, avec un cadran blanc qui complète son boîtier en acier inoxydable plaqué or. Diamètre de boîtier : 31 mm.Dans sa boîte et coffret d’origine. Don privé.

Le Domaine Reine Margot Paris Issy, un hôtel de la collection MGallery, vous ouvre les portes d’un site unique. Vivez une expérience inattendue dans notre hôtel 5 étoiles d’Issy-les-Moulineaux, où le calme vous est offert à quelques pas de l’effervescence parisienne. Offert par le Domaine Reine Margot.

Découvrez la Villa Nomade, un havre de paix, intime au coeur de la médina de Marrakech. Au coeur de la Médina, ce riad construit au début du siècle dernier a été restauré dans la pure tradition marocaine. Sols en terre cuite naturelle, murs patinés au tadelakt, décoration finement soignée. La Villa Nomade est un authentique écrin de volupté. Séjour pour 2 personnes (hors vol). Un voyage d’exception offert par Voyageurs du Monde.

Sept lots de pièces et bijoux en or, pièces en argent, seront proposés à la vente ainsi que des carrés Hermès, dont un dans sa boite d’origine. Dons privés.

Ce bracelet en or époque Napoléon III particulièrement élégant sera proposé à la vente. Offert par un collectionneur privé.

Passez une journée inoubliable à Saint Malo juste avant le départ de la Route du Rhum 2026 : rencontre du skipper William Mathelin et visite de son Class40 et pass VIP permettant de voir au plus près les autres bateaux. Pass pour 2 personnes.

Ce Maillot taille 4XL a été endossé en match par le géant Sud-Africain Juan-John Van Der Mescht (2mètres, 150kg), qui a porté les couleurs roses du Stade Français Paris de 2021 à 2025. Ce club de l’élite du rugby français (TOP14) fondé en 1883 est titulaire de 14 Boucliers de Brennus. Ce maillot est unique dans la mesure où lors de ce match contre Toulon en championnat, le Stade Français avait adopté SOS VILLAGES D’ENFANTS comme partenaire sur les maillots.
Don collection privée.

Arthur Rinderknech, joueur de tennis, français (24e au classement ATP et n°1 français après le forfait d’Arthur Fils à Roland-Garros) offre un maillot dédicacé. Son sponsor Extia nous apporte aussi son soutien.